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Esto sí suena | 03/02/2013
Rock con base sólida
Entrevistamos desde Madrid a Carlos Tarque, voz de la banda M-Clan, con quien conversamos sobre su nuevo trabajo “Arenas Movedizas” que cierra una trilogía y se recrea entre la melancolía y el blues
VÍCTOR AMAYA
M-Clan
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La banda murciana M-Clan acaba de publicar su décimo disco. Lo bautizaron Arenas Movedizas y contiene 10 temas que desafían el concepto del título del LP. Una contradicción evidente al escuchar un sonido sólido, de rock firme y sangre negra, blues fronterizo, guitarras contundentes, como la voz de Carlos Tarque que dignifica cualquiera de los cortes.

Las letras conducen desde la melancolía hasta la apertura hacia un nuevo futuro, con canciones místicas, precisas, maduras, terrenales. Es un material que consolida la identidad propia del M-Clan de Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez.

Vía correo electrónico desde España, conversamos con Tarque sobre Arenas Movedizas, un disco "más rockero que el anterior" que, admite, "es una especie de continuación de los dos anteriores; cierra una trilogía" iniciada con Memorias de un espantapájaros (2008) y Para no ver el final (2010).

–Vuelven al tema del renacimiento, ¿cada álbum es volver a nacer?
–Sí, es cierto que cada disco es un poco un renacimiento, en todos los sentidos. Debes plantear nuevas canciones, una nueva gira, etc. Esto hace que de alguna manera te renueves y te ilusiones nuevamente. Evidentemente eres el mismo y todo esto también va en tu ADN artístico.
 
–Hay cierta constante: el viaje. ¿Tiene que ver con la carretera y las giras o con los cambios dentro de la banda?
–Creo que tiene que ver con la sensación de no apegarse a algo mucho tiempo. Tuve una infancia de muchos cambios y viajes y eso ha quedado ahí para siempre.
 
–Cantan más del universo interior. ¿Qué los ha hecho más introspectivos? ¿La edad? ¿Las cicatrices del rock? ¿La "madurez"?
–¡Supongo que sí! A veces hay que dejar de mirar por la ventana y ver qué tal va todo por dentro. Te puedes quedar demasiado absorto con el paisaje. Este paisaje lo ve todo el mundo, sin embargo el tuyo interior no y es interesante describirlo un poco.
 
¿Buscan preciosismo? ¿Hacen rock "adulto"?
Buscamos que suene bien y que tenga espíritu. Los músicos que forman la banda son muy buenos. Venimos de una escuela de buenos instrumentistas.
 
–¿Por qué el disco es tan melancólico? ¿Es la banda sonora de unos tiempos oscuros?
Podría ser. La oscuridad no siempre significa negatividad. A veces demasiada luz es sospechosa y deslumbra. Nos recreamos en la belleza de la melancolía y el blues.
 
–¿Tomaron de esa realidad "real" de paro, desahucios, crisis, bancos y demás? Por allí cantan sobre una "nueva rebelión".
Es cierto que esa situación actual de alguna manera te afecta, todos tenemos algún amigo cercano que está jodido por un banco o que se ha quedado sin trabajo. En "Rock & roll del siglo XXI" defendemos sobre todo la Fe y luchar contra el desánimo que han creado el capitalismo desaforado y la corrupción política.
 
–Repite Carlos Raya, ¿cuál es su peso en el trabajo?
Es una pieza importante en M-Clan a pesar de no tocar en directo. Tiene un gran concepto musical y a nivel de sonido. Es uno de los nuestros y sabe cómo sacar lo mejor de nosotros. Por ahora, y si él quiere, estará ahí. La producción ideológica de M-Clan está repartida entre tres, así como las letras que suelen ser mías. Carlos es más un productor de sonido.
 
–¿Qué tomaron en cuenta para organizar el playlist en ese orden?
Que no caiga el interés, que cada tema te lleve al siguiente. El orden es increíblemente importante a la hora de escuchar un disco nuevo. Escogimos las mejores canciones posibles y con el sonido más coherente entre sí. Quedaron fuera muchas y quizás alguna se escuche en el futuro.
 
–Este disco cierra con una luz al final del túnel. ¿Hacia dónde ve M-Clan ese camino?
A celebrar nuestro 20 aniversario con un disco en vivo.
 
El disco es una joya sonora, con temas donde las guitarras dialogan, las baterías hacen saltar y las letras afilan la nostalgia. Lo exploraremos en nuestro programa de este lunes por RadioGalaxia.com, Galaxia 107.3 FM y ww.estosisuena.com .
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MEMORIAS DE LA MÚSICA

“SMELLS LIKE TEEN SPIRIT”
Hace 21 años, tal día como este viernes 1º de febrero, el disco Nevermind de Nirvana alcanzaba el número 1 de las listas de ventas.

El trabajo de una banda que rechazaba lo comercial, terminó significando millones en ventas, con su grunge y su actitud de juventud rebelde. La canción que abre ese LP, y la más emblemática de la banda de Kurt Cobain, es "Smells Like Teen Spirit".

Aunque nació de un ensayo cualquiera, Cobain le puso título luego de que su amiga Kathleen Hanna, del grupo Bikini Kill, bromeara con que él olía a Teen Spirit, el perfume que usaba la vocalista Tobi Vail que había terminado una relación con el músico apenas unos días atrás.

Cobain no sabía que fuera una marca, simplemente le gustó la frase "Kurt Smells Like Teen Spirit" y hasta pidió permiso a Hanna para usarla.

El compositor escribió el tema "decepcionado por la apatía de mi generación y con la mía propia", atacando a la mentalidad de conformidad masiva. Un tema que impregna todo el disco titulado Nevermind, en referencia a la expresión que traduce una suerte de "ni modo".

El primer demo fue grabado en un casette y entregado por la banda al productor Butch Vig, a quien no le gustó porque había demasiada distorsión y poca calidad. Sin embargo, cuando los escuchó ensayándola en el estudio propuso no solo grabarla sino usarla como primer sencillo y primer tema del disco.

Además, pidió a los músicos que grabaran el distintivo bridge en el medio de la canción y no al final como originalmente estaba escrito.

El elemento fundamental para el éxito de la canción fue su videoclip, primero desestimado por MTV y luego de estrenado, y de las peticiones de reposición recibidas, incluido en la rotación regular.

La idea de la pieza audiovisual era mostrar un ruidoso encuentro de juventudes, por lo que invitaron al público de un concierto pequeño de la banda al estudio para filmar, prometiendo un buen rato y muchas horas parado. En total, la grabación se tardó 12 horas completas.

El hartazgo de público y músicos hizo que Cobain gritara sus líneas (mostrando agresividad real) y que se desatara la destrucción que también fue registrada y brindó el final del videoclip. Kurt participó en la edición del video, insertando cortes que no sincronizaban con la música para hacerlo más surreal.

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